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Wenn Sie ein Buch illustrieren, erschaffen Sie nicht einfach nur Bilder – Sie geben der Geschichte ein zweites Leben, diesmal in visueller Form. Jede Illustration wird ein Teil der Erzählung, verstärkt die Emotionen und lässt die Leser die Welt des Autors aus einer neuen Perspektive entdecken. Aber wie können Sie wirklich packende und professionelle Illustrationen schaffen?

Lesen Sie den Text gründlich

Das mag offensichtlich klingen, doch viele Illustratoren beginnen mit dem Zeichnen, ohne sich eingehend mit der Geschichte vertraut zu machen. Ihre wichtigste Aufgabe ist es, sich vollständig in die Geschichte hineinzuversetzen, ihre Stimmung und zentrale Momente zu verstehen.

Suchen Sie nach Szenen, die visuell unterstützt werden sollten. Welche Momente sind besonders emotional oder entscheidend für die Handlung? Welche Charaktere verdienen besondere Aufmerksamkeit? Und vor allem – wie können Sie Ihre Illustrationen so gestalten, dass sie nicht nur den Text ergänzen, sondern ihm zusätzliche Bedeutungsebenen verleihen?

Schaffen Sie die richtige Atmosphäre

Eine Illustration sollte nicht einfach nur das Geschehen auf den Seiten widerspiegeln – sie sollte die Emotionen verstärken. Wählen Sie passende Farbschemata, die die Atmosphäre der Geschichte unterstreichen – warme Farben für freudige Momente oder kühle Töne für spannungsgeladene Szenen. Handelt es sich um eine Fantasy- oder Märchengeschichte, scheuen Sie sich nicht, mit ungewöhnlichen Farben und Lichteffekten zu experimentieren, um die magische Stimmung zu intensivieren.

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Visualisieren Sie die Charaktere

Bevor Sie mit dem Zeichnen der Charaktere beginnen, überlegen Sie, wie ihr Aussehen mehr über sie erzählen kann, als im Text steht. Achten Sie auf Details: Welchen Kleidungsstil haben sie? Welche Emotionen drücken sie aus? Vielleicht hat eine Figur eine ungewöhnliche Frisur, während eine andere stets einen Talisman trägt, der auf ihre Vergangenheit oder Ängste hinweist. Solche Feinheiten verleihen Ihren Illustrationen Tiefe und machen sie interessanter.

Spielen Sie mit der Komposition

Visuelle Dynamik ist ein wesentlicher Bestandteil erfolgreicher Illustrationen. Versuchen Sie, Bewegung darzustellen, auch wenn das Bild statisch ist. Nutzen Sie Perspektive, Blickwinkel und diagonale Linien, um den Blick des Lesers auf die wichtigsten Elemente der Szene zu lenken. Wenn ein Charakter beispielsweise klein und hilflos wirken soll, zeichnen Sie ihn von unten, vor einem Hintergrund, der seine Umgebung riesig erscheinen lässt.

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Scheuen Sie sich nicht, Symbolik zu verwenden

Manchmal können Anspielungen und versteckte Symbole in einer Illustration dem Text zusätzliche Tiefe verleihen. Vielleicht fällt ein Blatt von einem Baum, gerade als ein Charakter die Hoffnung verliert, oder das Muster an einer Wand ähnelt der Form eines Artefakts, das gesucht wird. Solche Details bereichern Ihre Arbeit für aufmerksame Betrachter, die immer wieder zu Ihren Illustrationen zurückkehren möchten, um neue Bedeutungen oder Details zu entdecken.

Nutzen Sie technologische Werkzeuge

Heutzutage gibt es zahlreiche Programme und Werkzeuge für Illustratoren, die neue Möglichkeiten eröffnen. Programme wie Procreate, Adobe Illustrator oder Clip Studio Paint bieten eine Vielzahl von Funktionen, um mit Texturen, Ebenen und Licht zu arbeiten. Sie simulieren nicht nur traditionelle Materialien, sondern ermöglichen auch Dinge, die auf Papier kaum realisierbar wären – etwa perfekte Symmetrien, das schnelle Kopieren von Elementen oder die präzise Farbkorrektur.

Programme wie Procreate und Clip Studio Paint bieten zudem integrierte 3D-Modelle, mit denen sich komplexe Perspektiven und Bewegungen leichter darstellen lassen. Wenn Sie mit solchen Programmen noch nicht vertraut sind, sollten Sie Online-Kurse in Betracht ziehen, die sich auf das Zeichnen in Procreate.

Kopieren Sie nicht – lassen Sie sich inspirieren

Studieren Sie die Werke von Illustrationsklassikern wie Maurice Sendak oder Hilary Knight, aber versuchen Sie nicht, ihren Stil zu kopieren. Finden Sie in ihren Arbeiten Elemente, die Sie ansprechen, und passen Sie diese an Ihre eigene Sichtweise an. Vielleicht inspiriert Sie Minimalismus, oder Sie lassen sich von komplexen Details faszinieren – bleiben Sie immer Ihrem eigenen Stil treu.

Wir empfehlen auch, die Illustrationen von Anna Wilson zu studieren.

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Seien Sie offen für Korrekturen

Die Arbeit als Illustrator umfasst oft den Dialog mit Autoren oder Verlagen. Ihre Vision stimmt möglicherweise nicht immer mit deren Vorstellungen überein. Nehmen Sie Korrekturen nicht als Kritik, sondern als Chance, Ihre Arbeit zu verbessern und weitere Nuancen des Textes zu berücksichtigen.

Das Illustrieren eines Buches ist nicht nur Arbeit – es ist ein Dialog mit dem Autor und den Lesern, geführt durch Farben, Linien und Details. Je tiefer Sie in den Text eintauchen und seine Atmosphäre erfassen, desto einzigartiger und einprägsamer werden Ihre Illustrationen sein.

Wenn Sie Linkshänder sind, haben Sie vielleicht das Gefühl, dass Zeichnen eine Herausforderung ist und die meisten Werkzeuge und Techniken nur für Rechtshänder entwickelt wurden. Doch das stimmt nicht ganz, und Sie sollten sich davon nicht entmutigen lassen. Es gibt viele Möglichkeiten, diese Schwierigkeiten zu überwinden und Ihre Besonderheit sogar in einen Vorteil zu verwandeln. Hier sind einige nützliche Tipps, die den Zeichenprozess für Sie angenehmer und produktiver machen können.

Finden Sie die richtige Position für die Leinwand oder das Papier

Ein häufiges Problem von Linkshändern ist das Verwischen von Linien oder Farbe mit der Hand. Um dies zu vermeiden, versuchen Sie, den Winkel des Papiers oder der Leinwand gegen den Uhrzeigersinn zu drehen. So können Sie besser sehen, was Sie zeichnen, und unabsichtliches Verschmieren verhindern. Wenn Sie auf einem Tablet zeichnen, experimentieren Sie mit der Position des Geräts auf dem Tisch.

Verwenden Sie Zeichenhandschuhe

Wenn Sie mit Materialien wie Bleistift oder Kohle arbeiten und oft Probleme mit verwischten Linien haben, probieren Sie spezielle Künstlerhandschuhe aus. Sie schützen die Oberfläche vor ungewollten Flecken, ohne Ihre Arbeit an den Details zu behindern. Das ist besonders praktisch für präzise Zeichnungen mit vielen feinen Linien und Schattierungen.

Beherrschen Sie Techniken von „trocken nach nass“

Beim Malen mit Farben empfehlen wir Techniken wie „fett auf mager“ oder „trocken auf nass“. Linkshänder haben oft das Problem, dass ihre Hand Spuren hinterlässt oder feuchte Farbe unabsichtlich verwischt. Beginnen Sie daher mit trockeneren Farbschichten und arbeiten Sie sich allmählich zu satteren und dickeren Schichten vor. So reduzieren Sie das Risiko von Fehlern und behalten die Kontrolle über den Prozess.

Schnelltrocknende Stifte und Liner

Wenn Sie gerne mit Linern oder Stiften arbeiten, achten Sie auf Materialien, die schnell trocknen. Linkshänder halten ihre Hand oft so, dass sie die Tinte versehentlich verschmieren könnten. Die Verwendung von Stiften mit pigmentierter und schnell trocknender Tinte minimiert solche Fehler – ideal für klare und grafische Zeichnungen.

Passen Sie Techniken „spiegelverkehrt“ an

Versuchen Sie, einige Techniken „spiegelverkehrt“ anzupassen. Traditionell beginnen Schattierungen auf der rechten Seite eines Objekts. Für Linkshänder ist es jedoch bequemer, auf der linken Seite zu beginnen und sich nach rechts zu bewegen. Brechen Sie ruhig mit traditionellen Regeln und starten Sie dort, wo es für Sie am angenehmsten ist. Ihre Bequemlichkeit ist wichtiger als Standards.

Benutzen Sie ein Zeichenbrett für mehr Kontrolle

Das Zeichnen auf einer flachen Oberfläche kann für Linkshänder schwierig sein – die Hand kann den Überblick verdecken, und der Blickwinkel ist nicht immer optimal. Wenn Sie jedoch auf einem Zeichenbrett arbeiten, können Sie nicht nur den Neigungswinkel der Leinwand anpassen, sondern auch Ihre eigene Position. So haben Sie eine bessere Übersicht über Ihre Arbeit und mehr Kontrolle über die Handbewegung.

Entwickeln Sie beidhändige Fähigkeiten

Viele Linkshänder haben eine natürliche Veranlagung, beide Hände für verschiedene Aufgaben zu nutzen. Versuchen Sie, diese Fähigkeit auch beim Zeichnen zu entwickeln. Zeichnen Sie beispielsweise die Grundformen mit der rechten Hand und bearbeiten Sie die Details mit der linken. Dies kann eine interessante Übung sein, um die Flexibilität Ihres kreativen Prozesses zu fördern und die Technik des Zeichnens aus einer neuen Perspektive zu betrachten.

Und denken Sie daran: Zeichnen ist nicht davon abhängig, ob Sie Rechts- oder Linkshänder sind. Es geht um Selbstausdruck, das Finden Ihres einzigartigen Weges und das Schaffen von Kunst, die Ihre Geschichte erzählt.

Beim Malen müssen Sie sich nicht nur auf klassische Stifte, Pinsel oder Marker beschränken. Die Welt der Kunst bietet zahlreiche ungewöhnliche Werkzeuge, mit denen Sie einzigartige Effekte erzielen und Ihre Kreativität über die Grenzen traditioneller Techniken hinaus erweitern können. Hier sind einige spannende Beispiele, die Sie ausprobieren können:

Plastikkarten

Eine einfache Plastikkarte, wie eine alte Bankkarte, kann Ihr Geheimwerkzeug für die Gestaltung von Texturen und Linien werden. Mit einer solchen Karte können Sie Farbe verstreichen, dynamische Pinselstriche erzeugen oder präzise, gerade Linien ziehen. Besonders für die Impasto-Technik ist sie ideal: Sie können die Farbe in Schichten auftragen, ähnlich wie mit einer Spachtel, und dabei die Dichte und Richtung perfekt kontrollieren.

Schwämme

Der Einsatz eines einfachen Haushaltsschwamms oder eines speziellen Malerschwamms ist zwar nicht völlig neu, aber dennoch ein hervorragendes Mittel, um Texturen hinzuzufügen oder Hintergründe schnell zu bearbeiten. Mit einem Schwamm lassen sich weiche, verschwommene Kanten oder kräftige Farbflecken erzeugen. Besonders gut funktioniert er mit Acryl- oder Ölfarben, wenn Sie sanfte Farbverläufe oder voluminöse Schichten kreieren möchten.

Zahnbürsten

Eine Zahnbürste ist ein unverzichtbares Werkzeug, um Sprenkeleffekte und chaotische Texturen zu erzeugen. Tauchen Sie die Zahnbürste einfach in Farbe und streichen Sie mit dem Finger über die Borsten, sodass kleine Tropfen auf die Leinwand spritzen. Diese Technik wird häufig genutzt, um abstrakte Werke dynamischer zu gestalten oder um Sterne, Regen oder Wasserspritzer darzustellen.

Federn und Holzstäbchen

Anstelle von Pinseln können Sie Federn von Vögeln oder einfache Holzstäbchen verwenden. Damit lassen sich feine Linien und ungewöhnliche Texturen erzeugen, die mit einem Pinsel schwer zu erreichen wären. Federn können Sie in Tinte oder Acrylfarbe tauchen und anschließend für kleine Details oder geschwungene Linien verwenden.

Lineal

Ein Lineal, das normalerweise für präzise Messungen verwendet wird, kann ein interessantes Werkzeug für geometrische Muster und Strukturen sein. Damit lassen sich klare Linien und symmetrische Formen erzeugen, beispielsweise in der Grafik oder Abstraktion. Sie können das Lineal auch in Farbe tauchen und über die Leinwand ziehen, um gleichmäßige Striche zu erzielen.

Alufolie

Zerknitterte Alufolie eignet sich hervorragend, um interessante Texturen und Effekte auf der Leinwand zu schaffen. Sie ist ideal, um unregelmäßige und chaotische Muster zu kreieren, die mit herkömmlichen Werkzeugen schwer nachzuahmen sind. Tauchen Sie die Folie einfach in Farbe und drücken Sie sie leicht auf die Oberfläche – jedes Ergebnis wird einzigartig und unvorhersehbar sein.

Klebeband und Malerkrepp

Dieses Werkzeug mag banal erscheinen, da viele wissen, dass man mit Malerkrepp Teile der Leinwand abdecken kann, um scharfe Kanten oder klare geometrische Formen zu erzeugen. Doch Klebeband kann auch verwendet werden, um Farbe von bestimmten Bereichen abzuziehen, was einen interessanten „abgerissenen“ Effekt erzeugt.

Glasstäbe und Spachtel

Werkzeuge, die eigentlich für die Arbeit mit Keramik oder Skulpturen gedacht sind, wie Glasstäbe oder Spachtel, lassen sich auch zum Malen verwenden. Mit diesen Werkzeugen können Sie Farbe in dicken Schichten auftragen, Texturen hinzufügen und bestimmte Elemente hervorheben.

Plastikgabeln und -messer

Diese Alltagsgegenstände können für chaotische, aber faszinierende Muster verwendet werden. Mit einer Gabel können Sie beispielsweise Linien und Kratzer in dicker Farbe erzeugen, während ein Messer dazu dient, überschüssige Farbe vorsichtig zu entfernen oder scharfe Kanten in abstrakten Bildern zu gestalten.

Kaffeestäbchen und Wattestäbchen

Kaffeestäbchen oder Wattestäbchen sind vielseitige Werkzeuge für die Bearbeitung von feinen Details und weichen Verläufen. Mit Kaffeestäbchen können Sie Linien oder Muster zeichnen, während Wattestäbchen ideal für sanfte Übergänge und verschwommene Effekte sind.

Dementsprechend können solche nicht ganz alltäglichen Werkzeuge durchaus nützlich beim Zeichnen sein, da sie es ermöglichen, mit Texturen, Formen und Effekten zu experimentieren.

Die Arbeit mit Ölfarben erfordert fundiertes Wissen über Materialien sowie Geduld, da der Prozess der Bildgestaltung Wochen oder sogar Monate in Anspruch nehmen kann. Lassen Sie uns die wichtigsten und interessantesten Techniken betrachten, die Ihnen helfen, die Ölmalerei zu beherrschen und Ihr kreatives Potenzial zu entfalten.

Alla Prima

Die Ein-Schicht-Technik, bekannt als Alla Prima, was wörtlich „auf einen Streich“ bedeutet, ist ideal für alle, die schnell und spontan arbeiten möchten.

Bei dieser Technik werden Bilder in einer Sitzung gemalt, solange die Farben noch feucht sind. Dabei mischt der Künstler die Farben oft direkt auf der Leinwand, wodurch unerwartete Nuancen und ausdrucksstarke Pinselstriche entstehen. Diese Methode bewahrt die Frische und Energie der ursprünglichen Idee und wird deshalb von vielen Künstlern geschätzt, die dynamische und expressive Ergebnisse anstreben.

Beachten Sie jedoch, dass die Farben bei Alla Prima nicht zwischen den Schichten trocknen und sich leicht vermischen können, was zu Unsauberkeiten führen kann. Um dies zu vermeiden, sollten Sie die Menge der aufgetragenen Farbe kontrollieren und darauf achten, wie sie sich auf der Leinwand verteilt.

Mehrschichtige Technik

Für diejenigen, die einen gründlicheren Ansatz bevorzugen, gibt es die mehrschichtige Technik. Dieser Ansatz erfordert das schrittweise Auftragen von Farben und das sorgfältige Trocknen jeder Schicht.

Zunächst trägt der Künstler eine Grundierung auf – eine Basisfarbschicht, die den Untergrund für die weiteren Schichten bildet. Anschließend wird Schicht für Schicht an Details und Farben gearbeitet, bis das gewünschte Ergebnis erreicht ist.

Ein Hauptvorteil dieser Technik ist die Möglichkeit, Farben und Texturen in jeder Phase fein abzustimmen. Dadurch kann der Künstler eine Tiefe und Realitätsnähe erreichen, die bei der Ein-Schicht-Technik schwer zu erzielen ist.

Lasurtechnik

Die Lasur ist eine Technik, bei der dünne Farbschichten über eine bereits getrocknete Schicht aufgetragen werden. Es werden transparente oder halbtransparente Farben verwendet, die es ermöglichen, mehrdimensionale Nuancen und sanfte Übergänge zu schaffen. Diese Methode ist besonders effektiv bei Hauttönen, Himmel oder Wasser, wo ein komplexes Spiel von Licht und Schatten gefragt ist.

Die Transparenz der Lasur erzeugt eine Illusion von Tiefe und Glanz. Zum Beispiel kann durch das Auftragen einer transparenten Farbe auf einen dunkleren Hintergrund der Effekt eines leuchtenden Objekts erzielt werden. Denken Sie daran, dass die Lasur Geduld erfordert – jede Schicht muss vollständig trocknen, bevor die nächste aufgetragen wird.

Impasto

Um voluminöse und strukturierte Werke zu schaffen, wird die Impasto-Technik eingesetzt. Dabei wird die Farbe dick und reliefartig aufgetragen, wodurch ein dreidimensionaler Effekt entsteht. Die Hauptwerkzeuge sind breite Pinsel, Spachtel und Malmesser.

Diese Technik eignet sich hervorragend, um Texturen wie eine raue Wand, grobe Stoffe oder sogar Erde darzustellen. Meister wie Vincent van Gogh nutzten Impasto, um die Energie ihrer Pinselstriche zu betonen und ihren Bildern Dynamik zu verleihen.

Dick über Dünn

Die Regel „Dick über Dünn“ ist ein grundlegendes Prinzip der Mehrschichtenmalerei. Zu Beginn der Arbeit werden stark verdünnte Farben verwendet, die dünne und leichte Schichten erzeugen. Dann geht der Künstler allmählich zu dickeren Schichten über, die Volumen und Tiefe hinzufügen. Dies hilft, Risse im fertigen Werk zu vermeiden, da dünnere Schichten schneller trocknen als dickere.

Diese Technik bietet Freiheit für Texturexperimente und ermöglicht es, mehrschichtige Bilder ohne Risiko der Beschädigung des Endbildes zu schaffen.

Nass-in-Nass-Technik

Eine weitere faszinierende Technik, die besonders bei Landschaftsmalern beliebt ist, ist die Nass-in-Nass-Technik. Dabei werden neue Farbschichten auf bereits feuchte Schichten aufgetragen, um weiche Übergänge und sanfte Farbverläufe zu erzielen.

Dies ist besonders nützlich beim Gestalten von Hintergründen oder Himmel, wo harmonische und natürliche Übergänge entscheidend sind. Die Technik erfordert jedoch ein zügiges Arbeiten, da die Farben feucht bleiben müssen. Doch das Ergebnis lohnt sich – die Werke wirken oft überraschend sanft und schön.

Trockenpinsel-Technik

Die Trockenpinsel-Technik bedeutet, dass die Farbe mit minimalem Einsatz von Verdünnungsmitteln aufgetragen wird. Dies ermöglicht präzise Linien und detaillierte Ausarbeitungen. Diese Methode eignet sich hervorragend, um Texturen wie die unebene Oberfläche von Stein oder das Fell von Tieren darzustellen.

Der Effekt der Trockenpinsel-Technik kann auch mit anderen Methoden kombiniert werden, um Kontraste und Details hervorzuheben.

Jede dieser Techniken ist nur ein Werkzeug, das Ihnen hilft, Ihr künstlerisches Potenzial zu entfalten. Scheuen Sie sich nicht, die Techniken zu kombinieren, neue Ansätze auszuprobieren und sie an Ihren Stil anzupassen – so werden diese Methoden zu Ihren Helfern und nicht nur zu „Krücken“.

Mehr über diese und weitere Techniken erfahren Sie in unseren Online-Kursen!

Das Zeichnen von Stoffen und Kleidung kann auf den ersten Blick kompliziert erscheinen. Aber sobald Sie die Logik dahinter verstehen, werden diese Elemente zu leicht beherrschbaren Details in Ihren Zeichnungen. Für eine überzeugende Darstellung ist es entscheidend zu wissen, wie Stoffe auf Körperbewegungen, Gewicht und Materialtyp reagieren. Lassen Sie uns die wichtigsten Aspekte des Zeichnens von Stoffen und Falten näher betrachten, damit Ihre Werke lebendiger und realistischer wirken.

Das Verständnis der Stoffstruktur

Stoffe passen sich immer der Form an, auf der sie liegen. Stellen Sie sich vor, Sie zeichnen Kleidung, die den Körper umhüllt – jede Biegung, Bewegung oder Position der Muskeln beeinflusst die Richtung der Falten. Daher ist es wichtig, sich beim Zeichnen von Stoffen Fragen zu stellen: Was befindet sich unter dem Stoff? Wie stark ist die Spannung? Der Untergrund, ob Körper, Kissen oder etwas anderes, beeinflusst immer, wie sich der Stoff legt und welche Falten entstehen.

Zum Beispiel entstehen enge Falten an Armen oft in den Gelenkbereichen, während ein lockeres Kleid oder ein Umhang größere, fließende Falten erzeugt. Für eine tiefere Auseinandersetzung empfehlen wir das Buch „Dynamic Wrinkles and Drapery“ von Burne Hogarth, das die Bewegung und Dynamik von Stoffen detailliert erklärt.

Arten von Falten

Es ist auch wichtig, die verschiedenen Falttypen zu unterscheiden, da nicht alle gleich sind. Hier einige der häufigsten:

• Radialfalten breiten sich fächerartig von einem Punkt aus, z. B. wenn man an einem Stoffstück zieht. Denken Sie an einen T-Shirt-Ärmel, wo die Falten von der Schulter zum Ellbogen verlaufen.
• Zugfalten entstehen, wenn der Stoff zwischen zwei Punkten gespannt ist. Klassische Beispiele sind Knie- oder Ellbogenbereiche, wo der Stoff durch das Beugen gedehnt wird.
• Freie Falten treten auf, wenn Stoff ohne Spannung hängt, wie bei einem Kleid oder Mantel. Diese Falten sind meist weicher und weniger ausgeprägt und hängen von Schwerkraft und Material ab.
• Röhrenfalten ähneln parallelen wellenförmigen Linien, wie sie bei weiten Hosen oder Röcken zu sehen sind.
  Jede Falte hat ihre eigenen Eigenschaften und hängt von der Spannung, dem Typ und dem Gewicht des Stoffes ab.

Welches Material wird dargestellt?

Vergessen Sie nicht, den Materialtyp zu berücksichtigen – leichter Seidenstoff und schwerer Denim legen sich völlig unterschiedlich. Zum Beispiel erzeugt Seide sanfte, fließende Falten, während grober Denim scharfe, kantige Linien hinterlässt.

Experimentieren Sie mit verschiedenen Materialien – von festen bis hin zu leichten Stoffen – um deren Verhalten besser zu verstehen.

Licht und Schatten

Einer der wichtigsten Aspekte für realistische Falten ist das Spiel von Licht und Schatten. Wo sich der Stoff hebt, ist er heller; in tiefen Falten dunkler.

Schatten können ungleichmäßig sein – vor allem bei komplexen Falten. Weiche Übergänge eignen sich für leichte Stoffe, scharfe Schatten hingegen für feste Materialien.

Eine gute Übung ist es, Licht und Schatten an echten Stoffen zu beobachten. Legen Sie beispielsweise ein Stoffstück über einen Gegenstand und analysieren Sie, wie sich Falten und Schatten bilden. Das hilft Ihnen, die Mechanik in realen Bedingungen besser zu verstehen.

Bewegung in die Zeichnung bringen

Wenn Sie Kleidung auf einer Figur zeichnen, bedenken Sie, dass sie nicht statisch ist. Stoff bewegt sich mit dem Körper und erzeugt neue Falten. Versuchen Sie, diese Bewegung einzufangen – sei es ein Mantel, der im Wind weht, oder der Stoff, der sich bei einer plötzlichen Armbewegung dehnt. So wirken Ihre Zeichnungen lebendiger.

Zur Inspiration empfehlen wir, Arbeiten anderer Künstler auf Plattformen wie DeviantArt anzuschauen oder das ikonische Animationsbuch „The Animator’s Survival Kit“ von Oscar-Preisträger Richard Williams zu lesen.

Weitere Tipps und Tricks finden Sie in unseren Online-Zeichenkursen!